Lana del Rey para H&M al más puro estilo David Lynch

Tras ver la última campaña de H&M realizada por Johan Renck en la que Lana del Rey es protagonista, no me la puedo quitar de la cabeza. Estoy obsesionada con el anuncio, con la canción (temazo de Bobby Vinton, el cual me gusta desde siempre), con cómo canta ella.. TODO. Y sobre todo con algo que me llamó la atención desde el primer momento en que lo vi. Me recuerda sin remediarlo a David Lynch. Quien conozca su cine y haya visto el anuncio imagino que habrá apreciado las similitudes que existen entre la campaña publicitaria y el director de cine.

Para empezar la canción es Blue Velvet (Terciopelo Azul), canción con el mismo nombre que una de las más famosas películas de David Lynch. Pero no es el único detalle que recuerda al cineasta. La escena que se recrea en el anuncio es muy similar a una de la película en la que de la misma manera un personaje apaga el cassette del que sale la música que estamos escuchando. Además, todas y cada una de las escenas que vemos en el anuncio parecen no tener sentido entre sí. Y para rematarlo todo, el personaje final del anuncio, el que apaga la música, es un enano. Desde que vi Twin Peaks y Mulholland Drive no puedo evitar que ver a un enano en la gran pantalla me recuerde a Lynch. Y probablemente a muchos conocedores de su cine les pase lo mismo.

Pero vamos a dejarnos de parrafadas y echad un vistazo a la campaña, que no tiene desperdicio y que como os digo, no me canso de verla. Para gustos los colores, pero a mí personalmente me encanta. Lana del Rey debería ser la nueva musa de Lynch. Yo si fuera él, lo tendría claro.

Tráiler de “Lo Imposible”

Es una de esas películas que nada más ver el tráiler me han llamado la atención. Quizá por el tema, o quizá porque no puedo resistirme a ver una película del gran Ewan McGregor, uno de mis actores favoritos y quizá uno de los más polifacéticos que existen en la actualidad.

J.A. Bayona se ha atrevido con un tema tan dramático como el de los tsunamis que asolaron las costas de Tailandia en el año 2004. Bayona, al que muchos recordaréis como el director de “El Orfanato”, se dispone a estrenar el 11 de octubre de este año “Lo Imposible”, el que será su segundo largometraje.

Producida por Apaches Entertainment y Telecinco Cinema, el reparto de la película lo completan Marta Etura, Geraldine Chaplin y Tom Holland.

A mí personalmente me ha dejado boquiabierta. Porque si el tráiler tiene que ser el reflejo de la esencia de una película y este es fiel al film, el drama que se respira en estos dos minutos de vídeo es tan grande que queremos ver más y más y más…

This Must Be The Place (Un Lugar donde Quedarse) – Crítica

Una road-movie está basada en tres pilares fundamentales: la carretera, el rock n’ roll y el descubrimiento de uno mismo. Y This Must Be the Place tiene los tres.

En esta película Sean Penn interpreta a Cheyenne, un judío de unos 50 años que fue estrella del rock en otros tiempos. Ahora está retirado pero sigue fiel a su estética mientras vive su aburrida vida en Dublín. Tras la muerte de su padre, con el que lleva 30 años sin hablarse, descubre que su progenitor ha pasado los últimos años buscando al nazi que le torturó durante el Holocausto, por lo que decide retomar la búsqueda que su padre empezó.

Nada como que un autor cinematográfico cuente con un actor de la talla de Sean Penn para su película: más popularidad, más taquilla, premisa actor conocido + autor=empuje y ventas… En definitiva, desde el cartel, la presencia de Sean Penn le da el empuje que la película necesita. Paolo Sorrentino ha confiado su última película a un solo personaje, un solo protagonista. Un Sean Penn que mientras ves la película, no puedes evitar que te recuerde a Robert Smith (líder de The Cure). Con ese aspecto de rockero y una personalidad curiosa (más bien llegando a ser ”rarito”) el actor inunda la pantalla. Y la inunda en todos los sentidos, porque durante el film los personajes van y vienen, pero él es una constante. Él tiene que llevar el peso de esta película, lo que habría sido todo un éxito por su calidad como actor (aquí hace un papelón) y porque esta historia habla sólo de él. Pero, el envoltorio es demasiado simplón, carente de emotividad y tiene demasiadas pretensiones artísticas por parte de Sorrentino.

Durante la película, vemos multitud de detalles con los que Sorrentino nos quiere hacer ver que está aquí, que él es el protagonista del film. Y sí, se nota que está, por supuesto. Pero lo siento Paolo, no has logrado algo grandioso como tú pretendías. Es cierto que en “Il Divo” se salió, a pesar de que tuvo muchas críticas. Desde entonces parecía prometer como uno de los grandes autores del cine europeo, o al menos, uno más del que poder admirar su talento artístico. Pero parece que todo lo que pretendía se ha quedado en eso, promesas.

La película comienza con una presentación de la vida del personaje principal (más bien del único protagonista), Cheyenne. Esta primera parte, sirve para que nos demos cuenta de cuál es la personalidad del individuo al que da vida Sean Penn. Desde mi punto de vista, esta parte es demasiado lenta. Hasta que llegamos a lo que nos ocupa en la historia (el inicio de la búsqueda del nazi y de sí mismo, claramente) pasa más de media hora en la que no ocurre nada. Durante este inicio, reparamos en que Cheyenne es como un crío, no tiene preocupaciones de adulto y su estética nos deja claro que su madurez aún no ha llegado. Está casado con una mujer que por el carácter de ambos, perfectamente podría ser su madre.

Lo cierto es que la emotividad está presente en la película, pero no en la medida en la que parece que el director desea que esté. Se supone que la evolución como persona adulta de Cheyenne es lo más importante de esta historia y se supone que como espectadores tendríamos que involucrarnos totalmente en este aspecto del film. No lo conseguimos. Es como si todo lo que se pretende ofrecer en This Must Be The Place se quedara a medio camino, en una promesa de algo más. 

Es lógico que la película sea lenta porque sigue el ritmo del carácter de Cheyenne. Se dispone a buscar a un nazi y su lentitud sigue en él incluso durante la búsqueda. No se da ninguna prisa por nada, todo lo hace con tranquilidad. Y eso provoca que en determinados momentos de la película sientas eso que temes cuando te sientas en una butaca de la sala de cine, aburrimiento. Ojo, no toda la película es aburrida. Pero sí hay ocasiones en las que te encuentras mirando a una pantalla que parece no contarte nada. Y eso es lo peor que le puede pasar a un director de cine y en concreto, a un autor.

Lo mejor de la película es la música, la fotografía y la actuación de Sean Penn. La música, de la mano de David Byrne (Talking Heads) inunda gran parte de los momentos de la película. De hecho, muchos de esos momentos son de deleite audiovisual como en el momento del concierto en el que cantan la canción que da nombre a esta película. La fotografía, obra de Luca Bigazzi, es simplemente grandiosa, al igual que la actuación de Sean Penn.

Pero claro, una actuación desde mi punto de vista impecable (siendo tan sencillo que pudiera llegar a ser forzada), una música excelente y una fotografía sublime no hacen que la película sea lo que prometía ser. La historia, aunque parecía ser intensa, se queda en nada y hace desinflar todas las expectativas que al menos yo, tenía durante el eterno viaje de Cheyenne.

La frase con la que te quedas al final sería “Se encuentra a sí mismo, ¿y qué?”. Y me da pena (mucha pena) que se haya quedado en eso. Porque entre la música, la calidad visual y la calidad interpretativa, si la historia, el ritmo o el interés hubieran estado a la altura, me aventuro a decir que podría haber sido una de las mejores películas que se hayan hecho jamás.

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La Maldición de Rookford (The Awakening) – Crítica

Una vez escuché decir que en el cine de género de terror “todo tiene cabida”. Es probable. Con la excusa de lo paranormal de la mayoría de las películas de fantasmas, espíritus y seres del más allá, algunos films del género tienen momentos surrealistas que parecen escapar a cualquier mente racional. Eso fue por ejemplo lo que me ocurrió con Insidious, película en la que, aunque al final lo arreglan, durante los últimos minutos de película mi cara era el reflejo de mi sorpresa. Volviendo a La Maldición de Rookford y a que “todo tiene cabida” en este tipo de cine, lo primero que tengo que decir es que me ha sorprendido el planteamiento de esta como film de terror. Antes de entrar en materia, veamos el argumento de la película que estará hoy mismo en los cines.

Ambientada en 1921, en la Inglaterra de posguerra, Florence Cathcart (Rebeca Hall) está atormentada por la muerte de su prometido. Ella es una escritora escéptica que utiliza sistemas metódicos y racionales para desmontar presuntos fenómenos sobrenaturales que en realidad son farsas de espiritistas que se aprovechan de aquellos que han perdido a sus seres queridos. Un día recibe la visita de Robert Mallory (Dominic West) que le pide que acuda a un internado llamado Rookford en el que tendrá que investigar las supuestas apariciones del fantasma de un niño.

Con este argumento, típico de película de miedo, se presenta la película. En principio, teniendo en cuenta que películas de este tipo hay a montones, es difícil que nos sorprenda desde un punto de vista positivo. ¿En qué se diferencia esta de otras muchas películas similares del género? Desde luego, leyendo el argumento podemos llegar a pensar que es lo mismo de siempre. Es el motivo de que muchos films del género simplemente estén destinados al fracaso.

Antes de nada, tengo que decir que no he podido evitar que me haya recordado a Los Otros. El entorno similar y el carisma de la mujer protagonista lo tienen en común.

La ambientación es perfecta. La atmósfera creada para la puesta en escena y la fotografía es de lo mejor de la película. En eso me recuerda un poco a La Mujer de Negro, en la que la ambientación era lo mejor de esta cinta. Pero a veces, la atmósfera no es suficiente para conseguir engatusar al espectador. Se necesita algo más. En este caso, Rebeca Hall pone el resto. Su sublime actuación eclipsa todo lo demás. Demuestra a la perfección que puede llevar el papel con más peso del film. Isaac Hempstead Wright, más conocido como Bran Stark en Juego de Tronos, aporta una dulzura especial con una actuación en la que no pasa desapercibido. La música también acompaña perfectamente a las imágenes que vemos durante el film. Unas veces por su ausencia (y es que en ocasiones, el silencio es más desgarrador que una música tenebrosa) y en otras ocasiones porque la melodía que escuchamos desencaja con lo que vemos (una escena de terror con una música feliz).

Además, desde mi punto de vista, la película ofrece algo que no todos los films de terror dan. En La Maldición de Rookford llegamos a conocer a los personajes (no sólo a la protagonista) algo más de lo que suele ser habitual. Eso tiene su lado positivo en el hecho de que no sólo vamos “a tener sustos”, sino que también nos llegamos a involucrar algo más con los personajes. El lado negativo de esto es que una vez que llegamos a la parte media y final, el asunto paranormal queda relegado a un segundo plano y la película toma un tinte propio del cine dramático, fuera de lo normal en el género de terror.

La primera escena de la película es muy intensa y en ella se demuestra el carácter y la opinión que nuestra protagonista tiene ante los sucesos paranormales. Gracias a ello, lo que vendrá después tendrá más importancia. ¿Lo que ocurre en Rookford es realmente fantasmagórico y propio del más allá? Las dos escenas del baño son dos momentos que me han llamado la atención en el contexto de la película. Uno de ellos por curioso y el otro porque parece que nos vamos a asustar rápido y la escena es más larga de lo que esperamos.

La verdad es que la película tiene muchos clichés que la encasillan dentro del montón de las películas de este género: un edificio con aspecto escalofriante que además está en medio del bosque, un niño fantasma, un jardinero un tanto siniestro… Todos esos elementos que todas, si analizáramos varias películas de terror, tendrían en común. Si con esto no es suficiente, el final es de lo más ambiguo (cada uno que saque sus conclusiones). Podrías darle diversas explicaciones y sea como sea, está muy visto, muy previsible.

Por otra parte, antes de destinarla al cajón de “es una película como las demás y puede que no la vuelva a ver” tengo que destacar algo que me ha gustado por encima de todo lo que hay en el film: NADA ES LO QUE PARECE. Es por eso que me recuerda a Los Otros. Tengo debilidad por ese tipo de giros, cambios o suposiciones. Me encanta que durante la película me hagan creer algo y a lo largo de la misma o al final, me desmonten toda la realidad y todo el esquema que mentalmente había creado en mi cabeza durante el visionado.

Así que para mí, esto es lo que le hace ganar interés a La Maldición de Rookford. Una película que, sin el giro argumental sería insulsa y nada original.

6,5 sobre 10

EN FRIKARTE

Crítica The Help (Criadas y Señoras)

TÍTULO: THE HELP

Año: 2011

País: Estados Unidos

Director: Tate Taylor

Reparto: Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Viola Davis, Octavia Spencer, Sissy Spacek, Allison Janney, Jessica Chastain, Mike Vogel

Género: Drama

Uno de los elementos más importantes del cine es la identificación de uno mismo con la historia que cuenta la película. Si no es con los personajes, es con la causa que se defiende en ella o con la historia en sí. “The Help” o “Criadas y Señoras” (así fue como se la tradujo al castellano) es una de esas películas que hacen que te identifiques desde un principio con las protagonistas, aunque no sea tu época, ni tu estilo de vida, ni tu lucha.

Ambientada en Jackson en los años 60, “Criadas y Señoras” cuenta la situación de las criadas de color en un mundo en el que los blancos eran los dueños y señores de todo. Esto se cuenta desde el punto de vista de las propias criadas. Eso es lo que le hace diferente. Todo comienza cuando Skeeter (Emma Stone), una chica blanca de buena familia, tras volver de la universidad, aspira a convertirse en escritora. Le proponen escribir algo que le inquiete, que le interese y ella decide hacerlo sobre las criadas negras del pueblo en el que vive. Este es un tema complicado ya que las criadas de color tienen miedo a hablar de cómo les tratan los blancos, y los blancos ven mal que una chica como Skeeter hable con ellas y esté de su parte. La primera que accede a hablar sobre este tema tan polémico es Aibileen (Viola Davis), una mujer de color que sirve en casa de una amiga de Skeeter. También colaborará con ella Minny (Octavia Spencer), una sirvienta de otra de sus amigas y poco a poco, intentarán conseguir el apoyo y los testimonios de otras muchas mujeres de color que tienen tanto que contar.

La película nos ofrece un conjunto de personajes muy variados, todos ellos con importancia para comprender la posición y las inquietudes de cada uno. Hilly Holbrook es la que manda dentro del grupo de amigas de Skeeter. Skeeter las conoce de toda la vida, pero desencaja totalmente en el grupo ya que no se ha casado, no tiene hijos, no trata con desprecio a las criadas… Vamos, es un bicho raro en ese mundo de poder blanco. Hilly tiene a Minny de criada y dedica su vida a intentar separar totalmente a blancos y negros porque piensa que las personas de color contraen enfermedades extrañas y se las pueden contagiar. La medida que propone es tener en cada casa un cuarto de baño que sólo puedan utilizar las criadas, para evitar el contagio a través del inodoro. Todo el mundo la apoya porque es la líder de esa manada de energúmenos racistas. Vale, a lo mejor me he pasado… Pero es que son absurdos y a mí estas cosas me tocan la fibra.

Como ella, el resto de amigas toman las mismas medidas por miedo al qué dirán, al rechazo social, independientemente de que estén de acuerdo o no. Todas excepto Skeeter, que lejos de pensar como ellas, tiene planes mucho más interesantes que sus amigas desconocen.

Las actuaciones tanto de Viola Davis (Aibileen) como de Octavia Spencer (Minny) son impecables, nada que reprochar. Entre las dos crean una historia que llega a cualquiera, con humor, sentido común y algo de conformismo por la situación que les ha tocado vivir y que ahora pretenden cambiar. Son las portavoces de una comunidad infravalorada, rechazada y marginada dentro de la sociedad de aquellos años. Lógico que Octavia Spencer se llevara el Oscar. Indiscutible. La verdad es que la actuación de Emma Stone también ayuda.

Sin contar mucho más de la trama para no desmoronar el argumento ni spoilear a todo aquel que quiera verla, diré que es una película conmovedora, con una causa promovida por una persona (Skeeter) que ni gana ni pierde nada al solucionarlo o dejar las cosas tal como están. El resto de blancos prácticamente piensan “Si el problema es de los negros, que lo solucionen ellos…” Pues no. Skeeter se moja teniendo poco que ganar y mucho que perder, sobre todo su reputación social con los de su clase. Pero a ella le da igual. Ella prefiere poner todo eso a un lado porque le importa muy poco, y luchar por una causa justa que afecta a los demás.

Y para terminar, recordad la tarta que Minny le hace a Holly. Es un momento muy importante de la película. Quien la haya visto sabrá de lo que hablo. Quien no, se acordará de estas palabras.

A continuación, una galería de imágenes de la película.

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Crítica INTOCABLE

Título: Intouchables

Año: 2011

País: Francia

Director: Olivier Nakache y Eric Toledano

Reparto: François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, Audrey Fleurot, Clotilde Mollet

Género: Comedia

Hay películas que no sabes por qué, tienes ganas de ver desde el momento en el que se distribuyen en las salas de cine. En lo que llevamos de año, me ha pasado con muy pocas y una de ellas ha sido “Intocable”. Sabía que tenía que verla porque estaba convencida de que me iba a encantar. Y efectivamente, estaba en lo cierto.

Cuando leí la sinopsis, pensé que iba a ser una de esas películas en las que lloras de principio a fin. Pensaba que iba a ser de lágrima fácil. No podía estar más equivocada. Es cierto que el cine nos tiene acostumbrados a que este tipo de tramas sean dramáticas y tristes. Pero a pesar de la historia, esta película está tratada desde el humor y desde el optimismo, desde la perspectiva de encontrar el lado positivo a todo, independientemente de lo que nos ocurra.

Philippe (François Cluzet) es un hombre rico que se queda en silla de ruedas por un accidente de parapente. A partir de ese momento, necesitará ayuda de una persona que haga todo por él ya que sus circunstancias no le permiten valerse por sí mismo. Driss (Omar Sy), un chico de color procedente de un barrio marginal, será quien ocupe el puesto de ayudante de Philippe. Aunque ambos vienen de mundos distintos y contra toda expectativa, los dos encajan a la perfección. La diferencia de Driss con respecto a cualquier otra persona que pueda cuidar de Philippe es que no le tiene compasión ni lástima. No le trata diferente por estar en su silla de ruedas. Y eso es lo que le gusta a Philippe.

Desde chistes de mal gusto para las personas que están en una situación como la de Philippe, a momentos en los que Driss se pone chulo con algún que otro tipo por no respetar la señal de vado en el garaje de su “jefe” (por llamarle de alguna forma). Digamos, que en algunos aspectos no son situaciones “políticamente correctas” y eso es lo que hace especial a esta película. Todo comienza como un mero trabajo para Driss, pero llegan a hacerse inseparables hasta tal punto que su amistad puede ante cualquier cosa.

Basada en una historia real, no solamente ves una buena película, sino que pasas un buen rato. Rato que además se pasa rapidísimo y eso es una muy buena señal en el cine. La película ofrece diversión y humanidad al mismo tiempo, lo cual es muy difícil de conseguir. Y lo hace de una manera muy elegante, lo que le convierte (desde mi punto de vista) en una película maravillosa, de esas que no olvidas fácilmente, de esas que nunca te cansas de ver.

Alcatraz: Piloto (Análisis y Spoilers)

Tan enganchada estaba a Lost, que ya estaba tardando en ver Alcatraz. Y tal y como imaginaba, me he enganchado. La verdad es que la premisa de la serie no está nada mal. 302 presos y celadores de la cárcel desaparecen el 21 de marzo de 1963 sin dejar rastro. ¿Cómo puede ser? ¿Qué ha pasado? Y para colmo y para (desde mi punto de vista) mejorar el argumento, aparecen todos ellos uno a uno en la actualidad con el mismo aspecto que tenían en el 63 y con la intención de vengarse, seguir con su espíritu delincuente o para buscar a otros desaparecidos de la prisión. El argumento tiene su  interés ¿no creéis?

Las expectativas que tenía al comenzar a ver la serie no eran muy buenas. Había oído críticas muy malas sobre ella, había leído en blogs que no era tan buena como se esperaba… Pero como a mí me gustan los retos, decidí arriesgarme. Y sinceramente, a mí Alcatraz me ha convencido para bien.

Voy a hacer entradas en el blog sobre cada capítulo de la serie analizándolo, buscando cualquier detalle interesante e intentando sacar conclusiones antes de que J.J. Abrams nos dé (o no) todas las respuestas.

Los personajes

Antes de comenzar con el análisis del primer capítulo, vamos a situar a los personajes protagonistas de esta serie:

- Rebeca Madsen, interpretada por Sarah Jones, es una detective de homicidios de la policía de San Francisco. Nieta de uno de los presos de Alcatraz (Tommy Madsen) y criada por su “tío”, Ray Archer, un ex-guarda de seguridad de la prisión. Poco a poco se van conociendo sus vinculaciones con Alcatraz. Vinculaciones que ella desconoce al principio de la serie.

- Dr. Diego “Doc” Soto, interpretado por Jorge García, es un experto en la historia de la prisión que nos ocupa, Alcatraz. Ha escrito libros sobre ello y tiene su propia tienda de cómics. Encasillado como Hugo Reyes por Lost, la verdad es que en ambas series interpreta a un personaje similar.

- Emerson Hauser, interpretado por Sam Neill, es un agente del gobierno que durante el primer capítulo no sabemos demasiado de él, pero a lo largo de la serie descubriremos que sabe más de lo que dice acerca de los presos, de la cárcel y de lo que está pasando.

- Lucy Barnerjee, interpretada por Parminder Nagra, es la compañera de Hauser. No desvelaré nada aún, pero este personaje parece ser más importante de lo que pensamos en un principio.

- Ray Archer, interpretado por Robert Forster, es como dije anteriormente el “tío” de Rebeca y guarda de Alcatraz. Le llama tío porque él la crió. Parece ser que le contó a Rebeca que su abuelo era un guarda y no un preso.

- James Coyne, interpretado por Jonny Edwin, es el alcaide de Alcatraz y gobierna la prisión a su manera y bajo sus métodos.

- E.B. Tiller, interpretado por Jason Butler Harner, es el segundo de a bordo al mando de Alcatraz.

- Jack Sylvane, interpretado por Jeffrey Pierce, es un ex-preso de Alcatraz. Supuestamente murió hace casi 50 años y sin embargo, aparece en la actualidad con el mismo aspecto que entonces.

En cada capítulo aparecen nuevos personajes. Los iremos identificando a medida que analicemos más episodios.

La serie

On March 21, 1963, Alcatraz officially closed. All the prisoners were transferred off the island. Only that’s not what happened. Not at all.

Bajo este lema comienza esta serie cada capítulo. Y es que esto fue lo que ocurrió. La serie comienza en la cárcel a la que acuden dos guardias de seguridad de la misma para comprobar que se está transfiriendo a los prisioneros. Cuando entran, no hay nadie en la cárcel, ni un alma. Los prisioneros y celadores que estaban allí en ese momento han desaparecido, literalmente. Todo esto en 1963. De ahí, directamente pasamos a la actualidad, al año 2012, donde podemos ver cómo Alcatraz es visitada por miles de turistas. Una niña se escapa del grupo de turistas y entra a una zona a la que sólo puede acceder personal autorizado. Es ahí donde encuentra a un hombre en el suelo. Hasta el momento, no sabemos nada de la trama de la serie, salvo lo que podemos conocer de la sinopsis oficial o de los tráilers que hayamos podido ver. Pero de momento, sólo sabemos que un hombre estaba en el suelo, sin más importancia.

Análisis con spoilers OJO (A CONTINUACIÓN: SEGUID LEYENDO)